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jueves, 5 de mayo de 2011

CINETISMO

El arte cinético fue una corriente muy en boga desde la mitad de los 60 hasta mediados de los 70.

El arte cinético y el arte óptico son corrientes artísticas basadas en la estética del movimiento. Está principalmente representado en el campo de la escultura donde uno de los recursos son los componentes móviles de las obras. Pictóricamente, el arte cinético también se puede basar en las ilusiones ópticas, en la vibración retiniana y en la imposibilidad de nuestro ojo de mirar simultáneamente dos superficies coloreadas, violentamente contrastadas.




  

FUTURISMO

El futurismo fue el movimiento inicial de las corrientes de vanguardia artística, fundado en Italia por Filippo Tommaso Marinetti, quien redactó el Manifeste du Futurisme, publicado el 24 de febrero de 1909, en el diario Le Figaro de París.

El futurismo surgió en Milán, Italia, impulsado por Filippo Tommaso Marinetti. Este movimiento buscaba romper con la tradición, el pasado y los signos convencionales de la historia del arte. Consideraba como elementos principales a la poesía, el valor, la audacia y la revolución, ya que se pregonaba el movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso gimnástico, el salto peligroso y la bofetada irreverente. Tenía como postulados: la exaltación de lo sensual, lo nacional y guerrero, la adoración de la máquina, el retrato de la realidad en movimiento, lo objetivo de lo literario y la disposición especial de lo escrito, con el fin de darle una expresión plástica.
Rechazaba la estética tradicional e intentó ensalzar la vida contemporánea, basándose en sus dos temas dominantes: la máquina y el movimiento. Se recurría, de este modo, a cualquier medio expresivo (artes plásticas, arquitectura, urbanismo, publicidad, moda, cine, música, poesía) capaz de crear un verdadero arte de acción, con el propósito de rejuvenecer y construir de nuevo la faz del mundo.

IMPRESIONISMO


Impresionismo se aplica en diferentes artes como la música y la literatura, su vertiente más conocida, y aquélla que fue la precursora, es la pintura impresionista. El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa —principalmente en Francia— caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz (la «impresión» visual y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores pintaban formas con identidad, los impresionistas pintarán el momento de luz, más allá de las formas que subyacen bajo éste. El movimiento fue bautizado por la crítica como Impresionismo con ironía y escepticismo respecto al cuadro de Monet Impresión: sol naciente. Siendo diametralmente opuesto a la pintura metafísica, su importancia es clave en el desarrollo del arte posterior, especialmente del postimpresionismo y las vanguardias.








Si hay un autor clave entre los precursores del movimiento impresionista, éste es Édouard Manet. Dos trabajos son esenciales en la comprensión de su influencia sobre el grupo.
En su Desayuno sobre la hierba Manet presenta un bodegón. Pese a que las figuras representadas son humanas, el autor trabaja el cuadro como si fuera una naturaleza muerta. Esto se evidencia por la ausencia de conexión de unos personajes con otros, tres personajes van vestidos mientras que el cuarto está desnudo; las miradas nunca se encuentran aunque haya un personaje hablando y la disposición en primer (cesta y comida), segundo (grupo) y tercer término (mujer en el agua) es meramente compositiva. Este trabajo influenciará a los impresionistas en la desatención del modelo y de la narración.



martes, 3 de mayo de 2011

POP ART Y ARTE RUPESTRE

El Arte Sacro es una denominación utilizada para todas aquellas producciones artísticas que tienen como fin un culto a lo sagrado o divino. Durante el trayecto de los siglos el cual se reconoce la fe, encontramos que el Arte Sacro intenta determinar cada pasaje y aspectos divinos por medio de pinturas, esculturas y mosaicos. Las representaciones más frecuentes en el cristianismo por ejemplo nos muestran el bautismo, el juicio, la crucifixión, la muerte y la resurrección de Jesucristo, también nos muestran a la Virgen María o imágenes de la Biblia.

 El arte sacro era común en la Edad Media europea, pero muchos de los mayores maestros fueron mandados por la Iglesia católica durante el renacimiento. Fue durante ese tiempo cuando Miguel Ángel pintó la Capilla Sixtina y talló la Pietà, Gian Lorenzo Bernini creó las columnas en la Basílica de San Pedro y Leonardo da Vinci pintó La Última Cena. Uno de los temas cristianos más comunes es el de una mujer (la Virgen María) cogiendo en los brazos a un niño (el hijo, Jesús). El otro tema principal es el de Jesús sobre la cruz.

El género del arte sacro perdió la mayor parte de su vigor desde el Renacimiento, pero los temas son todavía populares como muestra Salvador Dalí en el de siglo XX con su obra la Crucifixión. Después de la Segunda guerra mundial fue presentado algún buen trabajo principalmente por artistas franceses.


PUNTILLISMO

El Puntillismo es un estilo de pintura que aparece por primera vez en 1883, encabezado por el pintor neoimpresionista Georges Seurat, y contando entre sus seguidores más fieles tales como Henri Edmond Cross y Vlaho Bukovac. El procedimiento empleado por estos artistas, consistente en poner puntos de colores puros en vez de pinceladas sobre tela, fue el resultado de los estudios cromáticos llevados a cabo por Georges Seurat (1859-1891), pintor francés, quien en 1884 llegó a la división de tonos por la posición de toques de color que, mirados a cierta distancia, crean en la retina las combinaciones deseadas. Otro de los más importantes seguidores del puntillismo fue Paul Signac, participante junto con Seurat y otros neoimpresionistas en la fundación de artistas independientes (1884), todos ellos seguidores del puntillismo o divisionismo.




lunes, 2 de mayo de 2011

CUBISMO

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El movimiento artístico conocido con el nombre de Cubismo tuvo su origen en Francia en 1908, cuando Henri Matisse, al contemplar un cuadro de Georges Braque, en una exposición, Case et I'Estaque, que representaba casas cuya apariencia cúbica le llamó la atención, habló de pequeños cubos. En la exposición habían más obras de la muestra que se caracterizaron por el uso austero del color y una clara alteración de los volúmenes. 
El Cubismo

Guernica (1937), Picasso
El Cubismo es un movimiento artístico que representa temas y objetos desde múltiples perspectivas, como son concebidos por la mente y no como son vistos, superponiendo temas y objetos, en un mismo espacio mediante trazados geométricos angulares y un uso limitado del color.


El fin del cubismo es que el espectador entienda que se encuentra delante de algo diferente, ante una realidad nueva, que no existía y que ha sido creada.


 
Siendo Braque el primero en presentar una obra cubista, fue Picasso el proclamado líder del cubismo y a quien se le atribuye la formalización del movimiento con su obra "Las señoritas de Aviñón". En éste cuadro, su parte derecha se apoya de forma exclusiva en el dibujo, y el conjunto aparece totalmente desprovisto del efecto del "claroscuro".


Las señoritas de Aviñón (1907)
Picaso

La montaña Sainte-Victorie, vista desde la cantera
de Bibémus (1898-1900)
Cézanne

 Evitó describir la forma, pues la consideró como una manifestación en el espacio. En sus representaciones no trató de reproducir un objeto sino
De este modo, el cubismo es una titánica reflexión intelectual y visual sobre la forma. Pese al aspecto de algunos cuadros cubistas la forma siempre fue respetada, no cruzando nunca el umbral de lo abstracto. Los principales temas serán los retratos y las naturalezas muertas urbanas, los elementos que se disponen de modo caótico sobre la mesa de un café.

Los Pájaros muertos (1912)
Picasso

Características del cubismo:
  • Perspectiva múltiple: Viene dada por el estudio de cada plano en su autonomía. Se rompe con la perspectiva monofocal albertiana. La pintura se ha liberado del yugo de la tradicional visión monocular. Se multiplican los ángulos de visión de un mismo objeto. Así se ofrece una visión compleja del mismo ente, que se puede presentar al mismo tiempo de cara, de perfil o desde cualquier otro ángulo significativo.
  • Desaparición de gradaciones de sombra y luz: Esto viene dado por la descomposición del volumen.
  • Color "Tono Local": El color no aporta indicaciones suplementarias. Por lo general se aplicaba por pequeños toques. Esto se ha dado en llamar Color Passepartout, apto para todos los objetos, pero que no consiste en el verdadero color de ninguno de ellos.
  • Geometrismo: Las formas geométricas invaden las composiciones. Las formas observadas en la naturaleza, son traducidas en cilindros, conos, esferas y cubos. La retina capta las formas y la mente del pintor las simplifica. Cézanne redujo sus composiciones a las formas geométricas, por eso ejercerció tanta influencia en el Cubismo. 

En el cubismo se aprecian tres períodos etapas o fases bien definidas, las cuales han tenido nombres similares. De varios autores se tomaron las tres fases que más claramente definen las características por las que pasó este movimiento artístico:


Frutero y pan sobre una mesa
Picasso



   

Aqui les dejamos ciertos links en los que podran encontrar informacion sobre el arte egipcia, prehistoria e indigena, los incas y los mayas, entre otros.

http://www.rena.edu.ve/TerceraEtapa/artistica/ManifesPlastEgipto.htm
http://www.rena.edu.ve/TerceraEtapa/artistica/ManifesPlastMayas.htm
http://artisticaoctavo.blogspot.com/
http://www.rena.edu.ve/TerceraEtapa/artistica/PercepcionVisual.htm

ARTE GRIEGO

La Arquitectura:
La arquitectura griega se caracteriza por el empleo de la línea recta y por la omisión del arco y de la bóveda. Al suprimir estos, la construcción tenía que resultar arquitrabada o adintelada. Los materiales empleados solían ser nobles, como el mármol blanco. Los ordenes arquitectonicos son: la columna y el entablamiento.

Órden dórico: Muestra un sentido religioso y sobrio. Se destaca por su sencillez tanto en las proporciones como en la decoración.

Órden corintio: se desarrolla en la segunda mitad del siglo V a.C. y viene a ser como una variante del jónico. Se distingue de este porque su capitel tiene forma de cesto forrado por hojas de canto y está adornado con pencas que terminan en volutas. Sobre ellas descansa el ábaco.



Período helenístico


Constituyen una de las aportaciones más valiosas de este pueblo al arte y a la civilización en general. Se aprecia en ella un rápido progreso, que va desde la rigidez de los primeros tiempos hasta la perfección del período clásico, en el que se aprecia la perfección técnica y formal.
Las esculturas más antiguas que se conocen son las "Xoanos", las cuales son divinidades toscamente talladas en madera, en posición vertical y rígida, de pié o sentadas, pero siempre mirando al frente.

En el siglo VI a.C., se pueden señalar ya dos escuelas de escultura, la escuela Dórica, y la escuela Ática. La escuela Dórica Trabajaba el bronce, y tiene como tema principal un joven desnudo de formas atléticas, de pié y con largas cabelleras. Los llaman Apolos o Kowros.


viernes, 29 de abril de 2011

Arte barroco

El arte barroco se desarrolla entre los siglos XVII y XVIII. El arte será el vehículo de propaganda tanto de la Iglesia de la Contrarreforma, como de los Estados absolutistas o de la burguesía protestante. En el barroco la figura humana se alza como objeto decisivo del arte, pero no en su forma idealizada, sino en cualquier aspecto, ya sea este bello o feo, sublime o cotidiano.

Arquitectura
     En el barroco la arquitectura va frecuentemente unida al urbanismo. La ciudad se vuelve escenográfica. El palacio es el típico edificio de vivienda urbana para las familias poderosas. El hotel es un tipo de vivienda unifamiliar exenta y rodeada de jardines, burguesa. El templo es el lugar del sermón y la eucaristía. Se trata de un sitio de representación teatral.